拿到一堆乱七八糟的视频素材，是不是头大？感觉就像面对一盘散沙，完全不知道从哪儿下手。很多人上来就直接把素材全拖到时间线上，一通乱砍，结果片子剪得稀碎，节奏全无。听我的，别这么干。在剪辑里怎么剪辑视频，这事儿，它更像一门手艺，一门关于“取舍”和“呼吸”的艺术，而不是简单的技术活。
先别碰你的鼠标和键盘。真的，忍住。
泡杯咖啡，或者别的什么你喜欢的。把所有素材，我是说所有，从头到尾，不快进，完整地看一遍。甚至两遍。你可能会觉得这是浪费时间，但信我，这是整个剪辑过程中最值钱的一步。你在干嘛？你在和素材“谈恋爱”。你要感受它的情绪，记住那些让你眼睛一亮、心里一动的瞬间。某个不经意的眼神，一句脱口而出的话，一段意外闯入镜头的风光……这些，都是你后面要用的“神来之笔”。把这些瞬间的时间点，用纸笔或者文档记下来，随便写点什么都行，比如“15秒处，笑得好傻但好真实”、“1分02秒，光线绝了”。
好了，现在可以开始“动刀”了。
我们管这个阶段叫“粗剪”。说白了，就是搭骨架。这时候，你的目标只有一个：把故事的主线给捋顺了。别去管什么精细的卡点，别去想什么花里胡哨的转场。就用你那把最锋利的小刀片工具（快捷键通常是C），咔嚓，咔嚓，把那些废话、NG镜头、无意义的空镜，毫不留情地砍掉。对，别心疼。素材就是为了被牺牲的。把你在第一步里记下的那些“闪光点”，按照你脑子里故事的顺序，一个一个扔到时间线上。
现在，你的时间线上应该是一段一段的，像断掉的香肠。很难看，对吧？没关系。这就是骨架。至少，故事能从头走到尾了。
接下来，才是见证奇迹的时刻——塑造节奏感。
这玩意儿是剪辑的灵魂。一个片子好不好看，90%取决于节奏。节奏是什么？是呼吸。是心跳。是一张一弛的叙事张力。这里有两个核武器，你必须掌握：J-cut和L-cut。
别被这英文名吓到。简单得要死。
L-cut，就是画面先切走了，但上一个画面的声音还留了一会儿。想象一下，两个人对话，A说完了话，镜头已经切到B听的表情了，但我们还听着A最后一两个字的尾音。感觉是不是一下就流畅了？就像现实中说话一样，有来有往。
J-cut，正好相反。下一个画面的声音先进来了，画面才姗姗来迟。比如，画面还在拍着窗外的风景，你已经听到了房间里的人开门的声音，然后镜头“唰”一下切进屋内。是不是瞬间就有了期待感和悬念？
这两个技巧，就是让你的视频“会呼吸”的秘诀。别再用那种画面和声音“啪”一下同时切断的“硬切”了，那太业余了。多试试在音频轨道上把它们拉长或者提前，让声音和画面像跳舞一样，你进我退，缠绕在一起。整个片子的流动感，一下就出来了。
骨架搭好了，血肉也开始流动了，现在该给它穿上好看的衣服，化上精致的妆容了。
这就是B-roll、音效和调色的活儿。
很多人误以为B-roll就是“补充画面”，主线讲不下去的时候随便插点空镜。大错特错！B-roll是用来“说”主镜头说不出来的话的。主角在伤心，你光拍他哭丧的脸多单调？切一个窗外下雨的镜头，切一个他手里攥紧的拳头，切一个时钟滴答作响的特写……这些画面，比任何台词都有力，它们是情绪的放大器，是氛围的营造者。永远不要为了插而插，问问自己，这个B-roll是让情绪更浓了，还是只是在拖时间？
然后是音效。朋友，音效的设计，重要性绝对不亚于画面。它才是真正把你拽进那个世界的东西。不仅仅是背景音乐（BGM），我说的是那些环境音、细节音。风吹过树叶的沙沙声，远处传来的几声狗叫，主角喝水时喉咙的吞咽声，打字时键盘的敲击声……这些声音能瞬间让你的视频从“录像”变成“电影”。去找一些高质量的音效库，把它们像撒盐一样，恰到好处地洒在你的时间线上。你会发现，整个世界都活了。
最后，调色。
调色是情绪的遥控器。同样一段画面，你把它调成日系小清新的高饱和度、低对比度，它就充满了阳光和希望。你把它调成王家卫式的墨绿色、配上昏黄的灯光，它就写满了暧昧和孤独。你甚至可以玩更大胆的，抽掉大部分颜色只留下一种，或者做成压抑的蓝调。色彩本身就是一种语言。在你动手调色之前，先想好，你想让观众“感受”到什么？是温暖，是冰冷，是躁动，还是平静？然后，再去动你的曲线、色轮和饱和度。
所有这些都做完，别急着导出。把你的作品放一边，去睡一觉，或者出去走走，忘了它。第二天，再用一双“陌生”的眼睛去审视它。你会发现很多之前没注意到的瑕疵。某个节奏快了一帧，某个音效声音太大，某个颜色有点过。精细地调整它们。
这个过程，就是从“会剪”到“会讲故事”的蜕变。记住，技术永远是为内容服务的。剪辑里怎么剪辑视频，归根结底，不是问你怎么用软件，而是问你，想对看视频的人，说一个什么样的故事。
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